Dipinger un quadro non rientra necessariamente nelle arti plastiche, mentre un fumetto può farne parte. I programmi scolastici distinguono queste discipline, ma il loro confine rimane sfocato nell’insegnamento così come nella cultura popolare.
Alcuni preferiscono parlare di arti visive per racchiudere tutte le pratiche, mentre altri riservano l’espressione « arti plastiche » a attività ben precise. Queste categorie, sebbene istituzionalizzate, variano da un paese all’altro e da un’epoca all’altra.
Arti plastiche e arti applicate: definizioni chiare per comprendere meglio
Per distinguere le arti plastiche dalle arti applicate, è necessario andare oltre le evidenze. Le arti plastiche riuniscono una moltitudine di pratiche in cui la ricerca di espressione personale e l’emozione prevalgono. Pittura, scultura, disegno, fotografia, incisione, arte digitale, video, performance o installazione: tutte queste forme compongono un universo in cui l’artista si lascia guidare dal gesto, dall’esperimentazione e dalla soggettività. Qui, non ci sono regole strettamente utilitaristiche, ma una volontà di esplorare la materia, la forma e il significato.
Al contrario, le arti applicate rispondono ad altre esigenze. Il loro campo sono gli oggetti, gli spazi e le immagini pensati per essere utilizzati, portatori di una funzionalità oltre alla loro dimensione estetica. Il designer modella prodotti, abbigliamento, spazi, identità grafiche o supporti di comunicazione. Ogni progetto nasce da un bisogno concreto, da un uso atteso, da un capitolato preciso.
Per meglio comprendere queste nozioni, che cos’è l’arte plastica, la pagina Differenza tra arte e arte plastica: spiegazioni dettagliate – Studavenir offre un ulteriore chiarimento. Questa separazione influisce sulla formazione, struttura l’insegnamento artistico e plasma i percorsi professionali, contribuendo all’evoluzione dell’arte contemporanea.
Ecco, per chiarire, i principali ambiti associati a ciascuna disciplina:
- Arti plastiche: pittura, scultura, disegno, fotografia, incisione, arte digitale, video, performance, installazione.
- Arti applicate: design d’interni, moda, design di prodotto, design grafico, comunicazione, mestieri d’arte.
In sintesi, la distinzione si gioca nella finalità: l’espressione personale di fronte alla risposta a un uso, la libertà creativa contro la costrizione funzionale. Questo tratto separa due modi di pensare e di fare arte.
Quali differenze e quali punti in comune tra queste due discipline artistiche?
L’artista nelle arti plastiche si concede il lusso della scelta: temi, materiali, tecniche, tutto è terreno di sperimentazione. Non si tratta qui di soddisfare un ordine o di mirare alla redditività. Il centro di gravità rimane l’esplorazione della forma, della materia, dell’emozione. Pittura, scultura, disegno, performance: ogni gesto traduce uno sguardo singolare sul mondo.
Di fronte a questa libertà, le arti applicate impongono dei quadri. Rispondere a una richiesta, integrare la funzionalità, trovare l’equilibrio tra innovazione e vincolo d’uso: il designer, il grafico, il creatore di oggetti lavorano all’incrocio tra creazione e utilità. Essi destreggiano con le esigenze di un committente, di una produzione industriale o di un mercato, mantenendo comunque una parte di inventività.
Tuttavia, al di là di queste differenze, si delinea un terreno comune. Si ritrovano in entrambi i campi:
- Una creatività unita alla padronanza tecnica.
- Un processo di creazione fatto di osservazione, sperimentazione e analisi.
- L’uso di materiali vari e la conoscenza delle tecniche attuali che irrigano tutta la produzione artistica.
Dal lato della formazione, i percorsi si distinguono spesso: scuole d’arte per alcuni, scuole di design o di arti applicate per altri. Anche le carriere si orientano in modo diverso: musei, mercato dell’arte, insegnamento per le arti plastiche; aziende, pubblicità, arredamento o architettura d’interni per le arti applicate. Tuttavia, con l’ascesa delle tecnologie digitali e dei nuovi media, le linee si muovono. Le discipline si incrociano, i confini si sfumano e l’esperimentazione collettiva guadagna terreno.
Andare oltre: risorse e spunti per approfondire la vostra scoperta dell’arte
La storia dell’arte si estende su millenni, dal tracciato sulla parete all’installazione digitale. Per cogliere la ricchezza delle pratiche, nulla sostituisce il confronto diretto con le opere e i testi. La sociologa Nathalie Heinich, ad esempio, propone una lettura fine del rifiuto dell’arte contemporanea e delle evoluzioni dello sguardo rivolto alla creazione. Il suo approccio, in cui si mescolano scienze umane e riflessione sull’arte, aiuta a decifrare le tensioni tra tradizione e novità.
Nei musei, durante esposizioni o eventi, è lo sguardo del visitatore che si forma, lo spirito critico che si costruisce. Un’immersione in una scuola superiore d’arte, un DN MADE o un DSAA permette di toccare con mano la diversità dei corsi, dal DNA al DNSEP, dal bachelor al dottorato. Queste formazioni forniscono strumenti per pensare e praticare la creazione in tutte le sue forme, dalla pittura al design passando per la scultura e i nuovi media.
Gli strumenti digitali, la realtà virtuale o aumentata e l’intelligenza artificiale sconvolgono profondamente le pratiche. Artisti progettano ora installazioni interattive in cui la tecnica fa parte integrante dell’esperienza, rinnovando il nostro modo di affrontare la materialità e la percezione.
Ecco alcuni spunti concreti per arricchire la vostra esplorazione:
- Consultate opere di riferimento e articoli specializzati per ampliare la vostra visione.
- Analizzate i percorsi di critici d’arte, curatori, insegnanti o mediatori culturali.
- Partecipate a laboratori o conferenze per vivere la diversità dei metodi e degli approcci.
Avventurarsi nell’universo delle arti plastiche e delle arti applicate significa aprire la porta a un’infinità di incroci fecondi tra pratica, riflessione e tecnologia. Ad ogni passo, la curiosità si affina, l’analisi si affina e l’orizzonte creativo si allarga senza fine.
